Como fotógrafo profesional de alimentos, fotografío con luces artificiales la mayor parte del tiempo. Los restaurantes a menudo están oscuros, y estar en un estudio en un trabajo comercial todo el día significa que la luz cambiará. Esto no me proporciona la consistencia que necesito en mis imágenes. Muchos fotógrafos que disparan solo con luz natural insisten en que es mejor que la luz artificial.
No se puede negar que la luz natural tiene una calidad asombrosa y hermosa, pero esa calidad se puede replicar con luz artificial. Lo importante a recordar es que ambos se comportan de manera muy diferente, lo que requiere un enfoque individual.
Si eres un blogger de comida, lo más probable es que estés trabajando con luz natural. Si es un fotógrafo profesional de alimentos, también habrá situaciones en las que deba trabajar con luz natural, como en una granja o en un viñedo, o al fotografiar comida callejera o cultura gastronómica.
En estos casos, es importante saber trabajar con la luz disponible para conseguir las tomas requeridas. Puede significar cambiar de marcha y trabajar de una manera que se haya vuelto menos intuitiva para usted con el tiempo. En estos días, rara vez trabajo con luz natural, lo que significa que tengo que configurar mi cámara de manera diferente a como estoy acostumbrado. Y tengo que pensar en cómo reflejar la luz o controlar su dirección de alguna otra manera.
A menos que esté fotografiando paisajes, no puede esperar a que la luz sea perfecta. Necesitas saber cómo trabajar con la luz que está disponible. Se necesita un poco de física básica para comprender cómo funciona la luz y cómo manipularla para obtener el resultado que desea.
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Fuente de luz
Lo primero que debe tener en cuenta al disparar con luz natural es la fuente de luz. Básicamente, podemos decir que la luz del día es la fuente de luz en general. Hablando técnicamente, en fotografía la fuente de luz depende de dónde estés disparando y cómo estés disparando.
Cuando disparas al aire libre en un viñedo, el sol es tu fuente de luz. Sin embargo, si está fotografiando en interiores junto a una ventana, como hacemos la mayoría de los fotógrafos de alimentos cuando trabajamos con luz natural, entonces la fuente de su luz no es en realidad el sol sino el ventana. La ventana se convierte en la fuente de luz porque dirige la forma en que la luz entra en la habitación.
Si coloca un difusor frente a la ventana, el difusor se convierte en la fuente de luz, ya que dispersa la luz para suavizarla. También reduce la cantidad de luz que llega al sujeto.
Saber cómo quieres que se vea el resultado final es un factor importante a la hora de decidir cómo modificar la luz natural. Si desea que su luz sea suave pero brillante, como en la imagen del granizado de sandía a continuación, deberá difundir la luz. Si está trabajando con material de vidrio, es probable que necesite una difusión adicional para controlar los reflejos y el deslumbramiento.
Sin embargo, si desea que la luz tenga una calidad más intensa, permita que incida directamente sobre el sujeto. O salte el difusor a favor de una tarjeta de rebote para ayudarlo a dirigir la luz hacia donde desea que caiga. La luz dura es más fuerte que la luz suave y acentúa las sombras y el contraste. Se utiliza para un efecto más dramático.
Tener en cuenta el estado de ánimo que desea transmitir en la foto es una buena manera de decidir si utilizará una luz dura o suave.
Las siguientes imágenes fueron tomadas en exteriores sin difusión. Quería una escena brillante con mucho contraste y reflejos nítidos. Mi fuente de luz era el sol.
Dirección de la luz
La luz natural nos rodea por todas partes, pero cuando hablamos de fotografía, la dirección de la luz proviene del frente, el costado, la parte posterior o la parte superior.
Al fotografiar retratos, la iluminación que proviene del frente se ve suave y hermosa. Cuando se trata de fotografía de alimentos, es la dirección de luz menos atractiva para trabajar. Rara vez se ve bien. Por lo general, crea una sombra en la comida y puede hacer que la imagen se vea plana y sin vida.
La iluminación lateral es la luz que entra por el lado izquierdo o derecho. Si es posible, recomiendo iluminar las escenas de comida desde la izquierda. En el mundo occidental leemos de izquierda a derecha. Por lo tanto, nuestros ojos entrarán naturalmente en la parte más brillante de la imagen, la parte que más nos atrae de forma natural.
La retroiluminación es cuando colocas la luz detrás de la comida. Se utiliza mucho en la fotografía de licores y bebidas. Puede ser difícil iluminar tu equipo de manera uniforme con esta dirección de luz. El frente puede verse demasiado oscuro y la parte posterior demasiado brillante.
Sin embargo, funciona muy bien para resaltar las propiedades líquidas de los alimentos, por lo que es una opción natural para platos como sopas y guisos, así como jarabes o salsas o cualquier elemento que brille.
La iluminación superior es cuando su fuente de luz proviene de arriba. Al igual que con la iluminación frontal, puede hacer que la imagen se vea bastante plana y no siempre es muy favorecedora. Puedes ver que este estilo de luz se usa mucho en la fotografía de comida de los 80.
Por lo general, las imágenes tomadas con la fuente de luz proveniente de arriba carecerán de las sombras y la dimensión necesarias para que la comida se vea atractiva.
Una de mis direcciones de luz favoritas que debo mencionar es la retroiluminación lateral. Aquí su luz se coloca alrededor de las 10 u 11 en punto si estuviera imaginando la cara de un reloj. Para obtener este ángulo en la fotografía de alimentos con luz natural, inclinaría su superficie en ángulo con respecto a su ventana, en lugar de colocarla paralela a ella.
También puede colocar su mesa de modo que la luz caiga en algún lugar de la esquina superior izquierda de su conjunto.
cantidad de luz
La distancia entre la fuente de luz y el sujeto es extremadamente importante. En fotografía, aplicamos el principio de la ley del cuadrado inverso a nuestra iluminación. En términos de física, el poder de la luz es inversamente proporcional al cuadrado de la distancia.
Entonces, si tomamos una distancia de 2 y la elevamos al cuadrado, obtenemos 4, cuyo inverso no sería la mitad de la potencia original sino un cuarto.
Dejando a un lado las matemáticas, la ley del cuadrado inverso básicamente significa que la intensidad de una fuente de luz disminuirá a medida que alejas la luz de tu sujeto. Cuando disparamos con luz natural, comprender este principio nos ayuda a entender cómo funciona la cantidad de luz disponible a lo largo de la distancia.
Duplicar su distancia de una fuente de luz le dará una cuarta parte de la potencia, no la mitad de la potencia. Triplicarlo nos daría 1/9 de la potencia.
Por lo tanto, lo cerca que estemos de la ventana cuando filmemos con luz natural hará una gran diferencia en la cantidad de luz que incide en la escena.
También es importante tener en cuenta que la caída ocurre más rápidamente con luz natural que con luz artificial. Cuando disparas con un flash Speedlite o una luz estroboscópica, estás lidiando con una fuerte explosión de luz.
Un buen fotógrafo puede imitar la luz natural hasta el punto en que la mayoría de la gente no pueda ver la diferencia. Sin embargo, a veces las gradaciones de la luz no son tan sutiles, ya que la luz artificial no se apaga tan rápidamente.
Relleno de luces y sombras
La luz de relleno se refiere a la cantidad de luz que rebota sobre el sujeto. Se utiliza para eliminar o suavizar las sombras provocadas por la fuente de luz principal. Esta es una forma de controlar el contraste en la fotografía de alimentos.
La mayoría de las fotografías editoriales de alimentos, es decir, imágenes para libros de cocina y revistas, utilizan solo una fuente de luz. Esto crea una apariencia natural con un juego de sombras. Al cambiar la dirección y la intensidad de estas sombras, puede crear una variedad de escenarios de iluminación.
Una fuente de luz más grande y cercana nos dará sombras más suaves con transiciones o gradaciones más suaves. Si desea sombras más llamativas, una fuente de luz más pequeña y más alejada lo proporcionará. Esto puede significar que coloque su mesa más lejos de la ventana de lo que lo haría normalmente.
A menos que esté fotografiando una escena oscura y malhumorada, muchas de sus configuraciones de fotografía de alimentos naturales incluirán una tarjeta de rebote blanca opuesta a su fuente de luz para hacer rebotar la luz sobre la comida.
Últimamente, ha habido una tendencia en Instagram y tal para un tipo de fotografía de comida malhumorada donde toda la imagen parece subexpuesta. Pero la comida se ve más apetecible cuando está relativamente brillante y bien iluminada, o al menos las porciones sobre las que desea llamar la atención.
Muy a menudo, lo que distinguirá el estilo de un fotógrafo de alimentos de otro es el contraste y cómo trabajan con las sombras en sus imágenes.
Instrumentos
Piensa en disparar al aire libre en un día nublado. Las nubes actúan como un difusor gigante, filtrando los duros rayos del sol cuando golpean al sujeto. Un softbox actúa de la misma manera. Con la fotografía de alimentos con luz natural, queremos imitar este efecto.
Unos cuantos difusores en diferentes tamaños deberían ser una parte importante de su arsenal de fotografía de alimentos. Cuando trabajo con luz solar fuerte, me gusta usar un difusor muy grande. Esto evita que se derrame demasiada luz en mi escena y cree sombras duras.
La difusión suaviza la luz y afecta la cantidad de luz que llega a su configuración. También necesitas algunas herramientas para gestionar esas sombras y dirigir la luz hacia donde quieras.
Aquí es donde entran los reflectores. Siempre tengo a mano láminas de núcleo de espuma blanco y negro. Los uso para reflejar la luz o, en el caso del negro, para crear más sombras y contraste.
También es útil tener un juego de reflectores profesionales. Estos son discos plegables que vienen con material dorado, plateado, blanco y negro. Puede usarlos indistintamente, dependiendo de su escenario de iluminación. El reflector dorado se puede usar para agregar calor a los alimentos, mientras que el plateado puede iluminarlos.
No siempre tienes que tener equipo profesional a mano para esculpir tu luz. Cuando estás en un rodaje, a veces significa pensar en tus pies. Puede usar elementos como menús, una servilleta o incluso un periódico para bloquear o hacer rebotar la luz.
A menudo uso pequeños espejos cosméticos colocados fuera del marco para hacer rebotar una parte concentrada de luz en una parte específica de mi comida. El truco es ser creativo. Cuando sabe cómo funciona la luz, puede encontrar una herramienta en una variedad de elementos que lo ayuden a obtener esa toma.
Temperatura del color
Por último, vale la pena recordar que el color tiene una temperatura diferente en diferentes momentos del día. También varía de una estación a otra y es opuesta en el hemisferio sur a lo que es en el hemisferio norte.
Al fotografiar alimentos con luz natural en el hemisferio norte, es ideal trabajar con una ventana orientada al norte. Lo contrario es cierto si vives, por ejemplo, en Sudáfrica.
Cuando dispare más temprano en el día, la luz será «más fría» y tendrá un valor más hacia el azul. Cuando dispare más tarde en el día, el valor de la temperatura de color será «más cálido». Esto significa que contendrá más rojo. Aquí es donde entra la fotografía de la hora dorada.
Los retratos y paisajes tomados antes de que se ponga el sol tienen un brillo hermoso debido a esta calidez en la temperatura del color. Un ejercicio útil para comprender la temperatura del color y cómo afecta las imágenes que toma es tomar la misma escena cada hora en punto durante todo el día y comparar los resultados.
Muchos blogueros de comida disparan a la misma hora todos los días. Esto les permite obtener un resultado consistente que coincida con su estilo.
Deberá ajustar la configuración del balance de blancos en su cámara para adaptarse a los cambios en los tonos de color que verá en los blancos y los tonos neutros en sus imágenes. Idealmente, configuraría el balance de blancos manualmente antes de una toma, o tomaría una foto con una tarjeta gris y ajustaría el balance de blancos en la posproducción.
Una tarjeta gris es un elemento vital para utilizar en su proceso para garantizar que sus colores se vuelvan reales y reflejen lo que su ojo está viendo en la escena.
Conclusión
Evaluar la luz y descubrir cómo usarla en la fotografía de alimentos es un proceso que implica explorar y descubrir. Hay tantas variables que entran en juego. Pero entender la luz y cómo funciona es la base para crear grandes imágenes.
La próxima vez que dispare ese pastel de chocolate o ese tazón de frambuesas, tómese su tiempo y juegue con la distancia a su ventana. Intenta hacer rebotar o bloquear la luz con un cartón blanco o negro.
Tome nota de las diversas formas en que su luz incide en su escena y lo que tiene más sentido para presentar mejor su tema. Cuanto más se preocupe por entender por qué está obteniendo el efecto que está obteniendo, más natural será para usted crear imágenes que aprovechen al máximo su luz.
