¿Alguna vez te has preguntado cómo se unen los elementos de una fotografía para formar una imagen exitosa? En este artículo, veremos cómo utilizar los siete principios del arte y el diseño.
Estos principios de diseño te ayudarán a crear mejores imágenes más interesantes.
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¿Cuáles son los 7 principios del arte y el diseño?
Los 7 principios del arte y el diseño son equilibrio, ritmo, patrón, énfasis, contraste, unidad y movimiento. Utilizar el elementos de arte y diseño – línea, forma / forma, espacio, valor, color y textura – para crear una composición como un todo.
La elementos del arte y el diseño son las herramientas de los artistas visuales. La principios del arte y el diseño representan cómo un artista utiliza estas herramientas para crear arte visual.
Al aplicar los 7 principios del arte y el diseño, los fotógrafos pueden crear una imagen cohesiva basada en los fundamentos de la teoría del arte.
Echemos un vistazo más de cerca a cada principio.
7. Equilibrio
El equilibrio se utiliza para ilustrar el peso visual de una imagen. Puede unir una fotografía o crear división. Una imagen cuidadosamente equilibrada da una sensación de estabilidad a una fotografía. Una imagen desequilibrada crea desunión o malestar.
Ambas aplicaciones están bien, dependiendo del resultado deseado.
Puede lograr el equilibrio de tres formas:
- Simetría – ambos lados de una imagen reflejan el mismo tema, como una imagen especular.
- Asimetría – elementos contrastantes equilibran la imagen. Por ejemplo, una superficie muy texturizada en un lado de una imagen, contrarrestada por una superficie lisa y mate en el otro.
- Simetría de equilibrio radial – elementos espaciados equitativamente alrededor de un punto central, como los radios de una rueda.
El equilibrio es sensual en el sentido de que se «siente» mal o bien. Si está buscando enfatizar el equilibrio en una imagen, intente mover la cámara para lograr diferentes perspectivas.
También puede intentar fotografiar diferentes campos de textura y color. No tengas miedo de experimentar un poco.
6. Ritmo
En muchos sentidos, la composición en la música es muy similar a la composición en la fotografía. El concepto fotográfico de ritmo se basa en gran medida en la teoría musical.
Al igual que un músico que lee las notas de una partitura, los sujetos de un espacio regulan la forma en que vemos una fotografía.
El ritmo dicta la distribución recurrente u organizada / desorganizada de los elementos visuales a lo largo de una imagen.
Para introducir un sentido del ritmo en su fotografía, intente visualizar la notación musical.
Los espacios, correlaciones y diferencias entre sujetos en una fotografía como ésta reflejan notas en una partitura.
5. Patrón
El patrón da sentido al mundo visual a través de la regularidad. Desde objetos hechos por el hombre hasta material orgánico y abstracción.
Los elementos de diseño se pueden organizar de manera predecible para formar un patrón. En pocas palabras, los patrones son repeticiones de los elementos del arte y el diseño. Estos funcionan al unísono dentro de un solo cuadro.
El ojo humano está calibrado para buscar patrones. Esto puede evocar reacciones emocionales sorprendentes en el espectador.
Los patrones son un principio activo del arte y el diseño, levantan una imagen de la página. La incorporación de patrones en su fotografía se trata tanto de explorar como de técnica fotográfica.
Intente buscar características arquitectónicas y urbanas o temas orgánicos como flores. Una vez que comiences a buscar, te sorprenderá la abundancia de patrones que te rodean.
4. Énfasis
El énfasis da forma al centro de interés de una imagen. El color, el espacio, la textura y la línea trabajan juntos para determinar el enfoque de una imagen.
Hay muchas formas de dar énfasis a una fotografía. El énfasis espacial implica la orientación de un sujeto dentro del marco fotográfico.
Un sujeto solitario ubicado en el centro de una imagen atraerá la atención. Es el componente de la fotografía más disponible.
Para una fotografía con varios sujetos, la agrupación selectiva guía el ojo del espectador hacia puntos focales particulares.
El tamaño de un sujeto también dicta la forma en que el espectador «leerá» una fotografía. Un sujeto más grande sugiere una cercanía a la superficie de la fotografía. Llama más la atención que la de un sujeto más pequeño en el fondo.
La incorporación del tamaño cuenta una historia sobre la fisicalidad de los sujetos en una fotografía, agregando profundidad y perspectiva.
El color es otra herramienta que puede cultivar el énfasis. Un sujeto de colores brillantes dentro de una escena oscura da una sensación de vitalidad y vida a una imagen. Atrae la atención del espectador.
3. Contraste
El contraste se crea cuando dos o más elementos opuestos están presentes en una fotografía. Claro contra oscuro, cálido contra frío.
Pero el contraste también incluye elementos físicos. La textura es otra forma de utilizar el principio de contraste en la fotografía. Incluir dos o más texturas en una fotografía no solo introduce tacto, sino que también crea una sensación de lugar.
Una gota de agua redonda que descansa sobre los zarcillos difusos de una planta es un ejemplo de un tema textualmente contrastante.
El tema contrastante lleva la narrativa a una fotografía. También puede intentar yuxtaponer atributos como la nitidez y la suavidad, lo antiguo y lo nuevo o lo curvo y lo recto.
2. Unidad
Unity describe la relación visual entre elementos en una fotografía. Ayuda a crear una imagen cohesiva.
El uso de colores o tonos, conceptos o elementos similares cultiva un sentido de unidad.
La desunión es lo contrario. Los malos recortes, las perspectivas incómodas o la sobreexposición y subexposición alteran una imagen y pueden causar desunión.
Otro aspecto que subyace a una imagen unificada es la idea clara de un resultado fotográfico. Un resultado fotográfico, o una meta, es la imagen mental idealizada de una fotografía antes de tomarla.
Al visualizar previamente un resultado, un fotógrafo puede desarrollar una idea más clara del propósito de una fotografía. Esto, a su vez, permite al fotógrafo tener un mayor control de la imagen.
1. Movimiento
El término «movimiento» en la fotografía a menudo describe la relación entre la velocidad de obturación de la cámara y un sujeto. Cuando se trata de arte y diseño, el movimiento se refiere al camino que toma el ojo del espectador mientras lee una fotografía.
El movimiento está formado por los elementos y principios del arte y el diseño. Un fotógrafo puede controlar la forma en que un espectador absorbe una fotografía.
Por ejemplo, el uso de la línea en la fotografía crea «autopistas visuales» que guían el ojo del espectador.
Las líneas irregulares crean emoción, cambiando la mirada del espectador de un punto a otro. Las líneas curvas son más sutiles. Estos reducen la velocidad a la que se ve una fotografía.
Comprender la naturaleza y la psicología de la vista humana es una parte importante del control del movimiento. Por ejemplo, el ojo humano es más sensible a ciertos colores que a otros.
El rojo llama la atención. Los azules suaves son más suaves y sutiles. El movimiento se puede dirigir mediante el uso selectivo del color y la saturación.
Hay muchas formas diferentes de guiar el ojo del espectador a través de una fotografía. El movimiento estudia la naturaleza del ojo, así como la psicología detrás de cómo absorbemos la información visual.
Conclusión
Los siete principios del arte y el diseño en fotografía; equilibrio, ritmo, patrón, énfasis, contraste, unidad y movimiento, forman la base de las artes visuales.
El uso de los siete principios le permite tener un mayor control de su práctica fotográfica. Esto conducirá a mejores fotos y más oportunidades fotográficas.
